Maria Clara Mendes e Joyce Noelly No dia 23 de Junho de 1942 foi realizada a colheita do milho, pessoas se reuniram para celebrar a véspera da festa, a fogueira queimou até virar cinzas. Talvez balões tenham enfeitado o céu e a música esquentado o chão. Ao final do dia 24 de Junho, os vestígios da festa se guardaram para o dia de São Pedro. O que ninguém poderia imaginar é que no dia 25 de Junho de 1942 nascia um dos maiores artistas da história do forró e da cidade de Caruaru. 80 anos depois, o dia 25 de Junho deveria ser dia de festa. Um personagem ilustre, Francisco Bezerra de Lima, imortalizado Azulão, nasceu em Serra dos Cavalos e se criou em Brejo de Taquara. Só depois Azulão passou a morar na cidade de Caruaru, primeiro no Alto da Banana e posteriormente na gloriosa Rua Preta. O resto não só virou história, virou música e um pedaço do que conhecemos como a Capital do Forró. Reconhecido por uma voz inconfundível, uma presença arrebatadora e um repertório que se confunde com a história de multidões, abordar o legado de Azulão é um desafio imenso e necessário. Quis o destino que a volta das festividades do São João em Caruaru, interrompidas pela pandemia da COVID-19, coincidisse com os 80 anos de Azulão e com a aposentadoria dele dos palcos. Até aqui foram 60 anos de carreira, um compacto duplo, LPs aclamados, participações em coletâneas, um CD e um DVD lançados. Uma arte pulsante de um artista inquieto, talentoso e pernambucano de tantos espaços que formam uma só presença: Caruaru, Rua Preta, Brejo de Taquara e Serra dos Cavalos. Impossível separar o artista Azulão das suas origens, é isso que o alimenta e nos inspira a ouvi-lo. A história de Azulão se confunde com Caruaru e com a história de personagens importantes da cidade e do forró. Azulão participou das caravanas de Ivan Bulhões e Lídio Cavalcante. Compôs a música ‘Pé de Jatobá’ (1969) com Jacinto Silva, sucesso na voz de Marinês. Integrou a primeira banda de forró do Brasil, a Bandinha do Camarão. Em parceria com Mestre Camarão, lançou a sua primeira música ‘Olhei o meu amor’ (Azulão e Camarão), na coletânea Forró do Zé do Gato (1964). Gravou três músicas no LP Retrato de um Forró (1974), gravado também por Camarão e Sandro Rogério. Conviveu com Luiz Gonzaga, Jackson do Pandeiro, Dominguinhos, Jacinto Silva, Messias Holanda, entre outros mestres. Lançou álbuns inesquecíveis que marcaram época e influenciaram gerações de brasileiros. Não há testemunha melhor do legado de Azulão do que a sua própria obra. Nela está impressa a originalidade de um artista que sempre soube dialogar com o novo e com as suas vontades e crenças. Esta originalidade aparece nas capas que trazem fotografias de um jovem e vaidoso Azulão, vestindo roupas estampadas, de cores vibrantes, calça boca de sino e black power. A singularidade de Azulão fica evidente em sua aparência e nas músicas que fazem referência a religiosidade dele. O vínculo de Azulão com as religiões de matriz afroindígena é um aspecto que só o próprio artista para elucidar, mas encontramos indícios de sua fé em canções como a belíssima ‘Cabecilé’ (Francisco Azulão), na qual Azulão faz honrarias à sua cabeça (ou Ori), menciona a orixá Iansã e logo em seguida brada a saudação ao orixá Xangô, que dá nome à canção. No catolicismo, Xangô é sincretizado como São João. Azulão nasceu um dia depois do dia de Xangô. Na década de 1970, em meio a uma natural concorrência entre os próprios cantores, Azulão se destacou pela sua maneira única de cantar e interpretar o que cantava. Em ‘Dona Tereza’ (Elias Soares), presente na obra-prima de 1976, Azulão muda a voz nos trechos que representam a personagem Dona Tereza. Ele não só intercala os falsetes, como traz consigo uma performance com movimentos corporais para representar a personagem. Estes movimentos corporais são assinaturas do artista Azulão, a sua voz e interpretação são inconfundíveis. Estas características tão próprias do Pequeno Grande influenciaram toda uma geração de artistas que vieram depois, sendo ele considerado a maior voz de Caruaru. A cidade de Caruaru tem um espaço imenso na vida e na obra de Azulão com várias canções exaltando as histórias e personagens da Princesinha do Agreste. Estas histórias estão eternizadas em ‘Caruaru do Passado’ (José Pereira), ‘Capital do Forró’ (Walmir Silva e F. Azulão), ‘Caruaru do meu tempo’ (Juarez Santiago e Lula Torres), entre outras. Só vivendo e conhecendo Caruaru com propriedade para dar voz a tantas memórias de forma tão autêntica. É sempre importante destacar que ao longo de sua carreira, Azulão tratou de gravar músicas de compositores de Caruaru e região. Segundo Natan Lima, músico e conhecedor do forró, Azulão foi o primeiro artista a gravar uma música de Petrúcio Amorim, a canção ‘Confissão de um Nordestino’ dá nome ao LP lançado em 1980. Em sua apresentação de despedida, realizada no Pátio do Forró, no dia 17 de Junho, o Mestre Azulão, já bastante fragilizado pelos sinais do tempo, cantou algumas poucas canções. Mais do seu imenso repertório foi apresentado por artistas locais em participações especiais, como o jovem sanfoneiro Luan Nascimento, porém quem realmente conduziu o show foi seu filho Azulinho, que há anos divide o palco com o pai, inicialmente como backing vocal. Azulinho aproveitou a oportunidade para mostrar seu trabalho solo, cantando alguns piseiros que gravou recentemente. Algo muito oportuno numa noite em que o Pátio do Forró estava lotado de pessoas para ver o show do artista seguinte, João Gomes, o maior nome do gênero na atualidade. Tão lotado que desencorajou parte do público de Azulão a ver seu show pessoalmente. Atualmente Azulão tem o seu nome em um dos principais palcos do São João de Caruaru. O Polo Azulão representa um espaço alternativo dentro da programação do São João da Capital do Agreste. Curiosamente este palco tão importante pouco se aproxima do legado de Azulão, ficando a homenagem restrita ao nome do mestre. Por mais que a homenagem seja válida, seria interessante discutir de que forma Azulão poderia estar mais presente neste palco. Neste ano, o Polo Azulão apresentará um tributo à obra de Azulão, onde, no dia 26 de Junho, artistas convidados terão a missão de interpretar os clássicos do Mestre. Um bom sinal, mas que a iniciativa não se limite a uma homenagem protocolar pela despedida de Azulão dos palcos. Afinal, um artista que soube falar de si mesmo, do seu povo e das suas origens, merece ser enaltecido em vida por tudo que nos deu. O forró, a cidade de Caruaru e a música brasileira não seriam os mesmos sem Francisco Bezerra de Lima, nosso Mestre Azulão. As músicas de Azulão despertam memórias e saudades de pessoas e de lugares, nos trazem conforto e divertimento. Falar de Azulão compreende uma parte considerável da história do Brasil e do que este país é feito: festa, música e coragem. Ele se retira dos palcos e continuará vivo em nossas vitrolas, rádios, playlists e por cada pedaço dos lugares que encantou. Muito obrigada, Mestre. Um agradecimento especial a Natan Lima, a Luiz Ribeiro e a Azulinho. Referências: MACEDO, Eliane; PAIVA, Henrique. Azulão, o Pequeno Grande. 5 de Março de 2017. Disponível em: . Acesso em 21 de Maio de 2022. LIMA, Natan. Entrevista concedida a Maria Clara Mendes. Revista Spia, Pernambuco, 2 de Junho de 2022. [A entrevista foi realizada pelo WhatsApp] TV Asa Branca. Filhos da Terra – Azulão O Pequeno Grande. YouTube, 05 de Maio de 2019. Disponível em: . Acesso em 01 de Junho de 2022. TVPE. Azulão - São João da TVPE. YouTube, 13 de Julho de 2010. Disponível em: . Acesso em 22 de Junho de 2022.

Em 1988, no Alto José do Pinho, bairro periférico de Recife, nascia a banda Devotos, umas das principais precursoras do movimento Punk Rock que surgia em Pernambuco. Cannibal (voz e contra-baixo), Neilton Carvalho (guitarra) e Celo Brown (bateria), formadores da banda, estavam imersos em uma realidade cheia de problemas sociais, pobreza e desigualdade. A denúncia dessa realidade veio através do que sabiam fazer melhor: Rock. A Spia preparou 3 conteúdos pra lá de especial que fala um pouco sobre a banda Devotos e o movimento do rock em Pernambuco. Confira: Vídeo Ensaio: Devotos: Mudando a cidade, por Thallyson Silvestre. Relato: Devotos da boa-fé: a fé anarquista!,por Marcus ASBarr. Indicação: A cena do Punk Rock Hardcore em Pernambuco pelos olhos do Devotos, por Hanna Aragão

A Peleja do Bumba-meu-boi é o primeiro primeiro filme rodado em Caruaru que se tem registro. Lançado há 35 anos, é uma obra que continua dialogando com o presente. No filme os diretores Luiz Loureço e Pedro Araão mostram a realidade dos artesãos e as dificuldades que eles enfrentavam para sobreviver e deixar viva a cultura de Caruaru. ‘A Peleja do bumba-meu boi contra o vampiro do meio-dia” é o nome da lenda. Uma produção independente que mistura o ficcional e o documental, o formato Super-8 e o U-matic trazendo as feridas ainda abertas no tratamento aos artistas do estado. Além do conteúdo produzido, ao final do especial foi disponibilizado por um dia, o curta na íntegra no nosso canal do YouTube. Indicação: Destaque julho 2021: A Peleja do Bumba-meu-boi contra o Vampiro do Meio-dia, por Márcio Correia. Entrevista: 40 anos de uma história que se repete, por Hanna Aragão e Maria Clara Mendes. Relato: Memórias de um Filme Cult Popular, por Luiz Lourenço. Crítica: Um filme histórico e heroico sobre a peleja da cultura popular, por Maria Clara Mendes. Galeria: "A Peleja" pelos olhos de Germano Coelho Filho

A data do São João é muito significativa para a SPIA e ela não poderia deixar de ser lembrada. Tradição do lugar onde nascemos, resolvemos direcionar o conteúdo da semana junina ao tema. Todo o material produzido é de memória e afetividade. Vídeo Ensaio: São João 2021, por Maria Clara Mendes Relato: Causos e contos: O São João na memória, por Hanna Aragão Indicação: "Ai que saudades que eu sinto das noites de São João", por equipe

No mês de Março 2021 todo conteúdo produzido pela equipe da SPIA teve as mulheres como tema principal. Ao todo foram 8 conteúdos sobre mulheres que fazem a diferença no cinema e na arte contemporânea pernambucana. Entrevista: Kátia Mesel e o cinema pernambucano: "É o cinema mais heterogêneo do Brasil", por Ade Queiroz e Hanna Aragão Entrevista: Adelina Pontual, o legado do Vanretrô e a continuidade, por Hanna Aragão Relato: Miremos nuestras histórias, nuestros puentes, nuestros pueblos y nuestros colores, por Amanda Nascimento Vídeo Ensaio: O cinema de Adelina Pontual, por Samara Torres Divulgação Científica: O que porra é cinema de mulher?, por Naya Lopes Crítica: Memórias, sentidos e um olhar para outra realidade, por Maria Clara Mendes Indicação: 3 curtas e 3 longas dirigidos por mulheres pernambucanas, por equipe Playlist: Eu Menti Pra Você, por equipe

Sem festa, sem feriado, sem cor. Por conta da pandemia, 2021 não carnaval. Ele se fez presente nas memórias e na certeza de que, no próximo carnaval, a comemoração será dobrada. Pensando nisso, e como bons pernambucanos que somos, o conteúdo de fevereiro 2021 foi dedicado ao carnaval. Foi o nosso jeitinho de matar a saudade da nossa folia e de conhecer alguns personagens importantes da nossa cultura. Nosso cinema é recheado de referências sobre o Carnaval. Do frevo ao maracatu, do sertão ao litoral, a data tão aguardada já foi abordada de diferentes formas e por diferentes diretores. Crítica: “Desde que haja frevo” é carnaval, por Márcio Correia Indicação: Documentários de Fernando Spencer resgatam as origens do Maracatu e do Frevo, por Márcio Correia Playlist: "Ao som dos clarins de momo", por equipe Entrevista:Carnaval como paixão, sangue e pesquisa de Amilcar Bezerra, por Hanna Aragão e Márcio Correia Vídeo Ensaio: Carnavalença, por Maria Clara Mendes

Texto escrito por Leandro Ferreira A efervescência de ideias no litoral pernambucano dos anos 90 trouxe consigo a rebeldia característica da juventude, expressa através do acolhimento das novidades propostas por uma contemporaneidade cada dia mais globalizada. As novas teias de movimentação de informação, a popularização das tecnologias digitais e possibilidades de ser-fazer se instalaram com sucesso entre as questões que atingiam os enérgicos habitantes desse Recife lisérgico, que se auto intitularam mangueboys e manguegirls. É no cerne desse cenário caótico que emerge uma das principais potências que culminaram na formatação dessa conjuntura criativa. A Nação Zumbi marcava seu lugar no tempo de um Recife assombrado pelo desprezo às urgências dos seus jovens. É possível afirmar que desde aquela época, o grupo já dispensava apresentações: a criação do Manifesto dos caranguejos com cérebro cumpriu com êxito o papel de discernir os objetivos desse bando dissonante, herdeiros de um passado culturalmente irredutível, direcionados a um futuro inexplorado, no qual certamente fariam história. A história da Nação Zumbi é indissociável a de Chico Science. Juntos estrearam seu primeiro álbum, denominado “Da lama ao caos”, no ano de 1994, considerado um disco de ouro por atingir vendas superiores a cem mil cópias. A participação do então vocalista na concepção do primeiro álbum da banda foi essencial com a tônica dos vocais inflamados desse maestro da cultura, que conciliaria as essências da música popular nordestina e as novas perspectivas oriundas dos ritmos vindos do norte, atingindo uma consonância ímpar. Logo em seguida, o segundo projeto do grupo também surtiu efeito similar, obtendo um número de vendas tão alto quanto o anterior, sendo primordial para que Chico Science e Nação Zumbi se consolidassem enquanto expoentes da nova cena artística pernambucana, além das aspirações que cerceavam sua geração. Entretanto, apenas um ano após o lançamento de Afrociberdelia, Chico Science se encantou. Levou consigo a voz que exprimia os intentos de uma massa a qual representava, deixando uma lacuna que nenhum minuto de silêncio poderia ser capaz de preencher. O primeiro disco idealizado após a ruptura da primeira fase é marcado pelo fim do luto e a busca por um recomeço. É nesse sentido que Rádio S.Amb.A, datado no ano 2000, apresenta Jorge du Peixe enquanto vocalista e demonstra a solidez das estruturas nas quais o grupo se ergueu. A virada do século atuou de maneira benéfica para o conjunto, permitindo a amplitude de gêneros da banda que logo em seguida se reinventaria dentro do rock e flertaria com o reggae, recompondo as tradições rítmicas que se desdobram no Nordeste. A discografia traçada no ínterim dessa década é marcada pela pesada experimentação, essa que seria o elemento de elo nas obras concebidas durante a etapa, e que já é possível de se notar no destaque ao homônimo Nação Zumbi, lançado em 2002. Ressignificando as experiências que estão no escopo de sua denominação, abraçando referências à cultura pop oriunda das séries norte- americanas, e em um meneio de balanceamento, estipulando um retorno às tradições afro-brasileiras do Candomblé. A mobilidade do caminhar rápido dessa orquestra de instrumentos não usuais alcança os passos contínuos da globalização, andando ao seu lado, sem perder sua identidade. Após 31 anos de atividades intensas, a banda anuncia um período indeterminado de hiato, para que os membros possam se dedicar a outros projetos. Ao final desse ciclo, pouco mais de um mês após a última apresentação da Nação Zumbi nos palcos, reverberam os ecos da musicalidade da banda que ousou alçar a ascensão para além dos manguezais da capital pernambucana. Cruzando rios, pontes e overdrives no mundo inteiro, as atemporais inquietações que atravessaram tanto as composições quanto o imaginário cultural pernambucano vão de encontro ao descanso merecido. Durante esse período, o ritmo compassado das batidas dos corações cujas vidas tiveram como trilha sonora a discografia do grupo, soletram a palavra saudade. Enquanto os novos horizontes continuam incertos, e pairam as dúvidas sobre o porvir da Nação Zumbi, é preciso considerar que um hiato pode significar reticência ou ponto final, e a sonoridade incansável do grupo, repousa. É nesse momento de pausa dramática, capaz de remontar a distância entre as duas principais fases marcantes à constituição desse multifacetado aglomerado de talentos, que se ouve sibilar o tom que norteia a busca por novas notas que possam integrar a sonoridade do conjunto.

Texto escrito por Géssica Amorim Nascido na Fazenda São Gonçalo, zona rural de Betânia, no Sertão do Moxotó, o poeta, escritor e compositor pernambucano Walmar Belarmino de Souza, desde menino, teve oportunidades, interesses e ambições diferentes das dos seus outros quinze irmãos, filhos de outros relacionamentos de seu pai, José Belarmino. Ainda rapaz, Walmar deixou a fazenda São Gonçalo e se mudou com a sua mãe, dona Dermina de Souza, para a cidade de Sertânia, onde teve contato direto com a música e com a poesia. Cresceu, fez amigos, acumulou referências e se mudou para o Recife. Na capital, ingressou na Faculdade de Direito do Recife e também foi produtor da TV Pernambuco. Por lá, ainda participou de vários festivais de música e poesia, como o Femusic, Pernambuco Música Hoje, Frevança e Recifrevo, do qual foi vencedor em 1990 com o frevo “Bloco da Lama”. Em 1992, foi finalista do Festival da Record com “Maracatucando as dores de Olinda”. Walmar Belarmino era conhecido pela sua preocupação social e pela sua defesa da música pernambucana. Em 1993, lançou o seu compacto ``Rebentando", com as composições “Clareia (uma toada nordestina)”; “ Lua no Céu (baião)”; “Quero, Quero”e "Tô Chegando". As suas canções também foram gravadas por artistas como Alcymar Monteiro, Novinho da Paraíba, Marinês, Trio Nordestino, Nando do Cordel, Flávio José e Cristina Amaral. Como parceiros de composição, teve Wilson Freire, Antônio Amaral e Maciel Melo. Na literatura, Walmar estreou em 1991, lançando o livro “Gonzaga, Fole e Baião - Pinto, viola e Canção”, inspirado na vida e obra do grande Luiz Gonzaga, rei do baião, e na sua convivência com o poeta Pinto do Monteiro. Em seguida, veio o livro de poemas “Canção Rurbana”, lançado em 1996, cujo conteúdo fala diretamente da sua vida no sertão e na capital. O seu terceiro e último livro publicado foi “Estatuto Pé no Chão da Criança Mauricéia”, que apresenta uma crítica à situação da vida das crianças moradoras de rua do Recife à época em que foi produzido e lançado. Refém de algumas frustrações artísticas e amorosas, o poeta se perdeu. Caiu no alcoolismo e na depressão. No dia 14 de outubro de 1997, morreu vítima de afogamento no mar da praia do Janga, em Paulista, litoral norte do estado. Em homenagem a ele, o seu amigo Maciel Melo, cantor e compositor, compôs o sucesso “A poeira e a estrada”. Walmar não chegou a ouvir a canção. Walmar era meu tio, irmão da minha mãe, Maria de Fátima. Mesmo sem um contato frequente com os seus familiares que ficaram no sertão, a história dele sempre fez parte das nossas conversas em família. Eu cresci com essa referência, com a ideia e a imagem de um tio que foi pra longe, escreveu livros, compôs músicas e viveu de maneira livre e mais alegre que nós. Fotos: Géssica Amorim (Acervo pessoal). Mesmo sem tê-lo conhecido pessoalmente, de alguma forma Walmar foi e é uma pessoa presente na minha na minha vida. Há alguns anos, comecei a procurar pelos seus amigos e por pessoas que conviveram com ele para buscar histórias e informações que nos aproximassem mais. Sempre lamentei não ter tido a oportunidade de uma conversa. Tenho coisas para perguntar, para contar, celebrar e pensei em escrever a respeito de tudo isso aqui, como se Walmar pudesse ler o que escrevo e também pudesse me responder de algum lugar. Compartilho as questões: Titio, faz quase dez anos que eu decidi começar a procurar pelo que nunca soube a seu respeito. Fui atrás dos seus amigos, dos seus conhecidos, dos seus romances e até andei por lugares por onde você andou. Só que, de um tempo pra cá, passei a refletir sobre a invasão dessa procura - sim, porque afinal você escolheu ir embora e manter um contato mínimo com os que ficaram por aqui. Queria saber: essa busca te incomoda? Eu tenho permissão para me aproximar? Eu comecei com essa questão porque me era mais urgente, mas quero dizer que a conversa também correrá por outros temas, além dos assuntos familiares que nos envolvem. E, seguindo, queria saber de você sobre os lugares pra onde a música e a poesia te transportaram. Como foi chegar ao Recife pela primeira vez? O que te esperava nesse lugar? O seu trabalho, Walmar, tem muito do sertão que você deixou, das suas memórias, mas também tem muito do que você enxerga ao seu redor vivendo na capital. Dá pra notar uma grande preocupação social em alguns dos seus poemas no Canção Rurbana - que é justamente um produto desses dois universos em que você viveu. O “O Suco do Guri”, por exemplo, aponta essa preocupação social de que falo. O que você via enquanto o escrevia? Alguma situação específica te levou a estes versos? Música, poesia, prosa. Você chegou até a trabalhar com televisão, enquanto produtor da TV Pernambuco. Mas, e o cinema, Walmar? Que espaço os filmes tiveram na tua vida? O que você gostava de ver? Você via filmes? Voltando à questão da minha busca pela sua história, titio, um de seus amigos me disse que você tinha algum incômodo com a sua voz, com o seu timbre. Isso é verdade? Se sim, o que te incomodava na sua voz? Infelizmente, você não chegou a gravar um CD, como tanto quis. Mas gravou o compacto Rebentando - do qual, inclusive, ganhei uma cópia de um de seus amigos de Sertânia. A sua música ficou gravada, eternizada nesse disco. O que isso te trouxe de bom? Quais foram as sensações? A sua partida foi precoce, trágica e nebulosa. Até hoje não sabemos direito como tudo aconteceu. Não sabemos se foi um acidente, se foi da tua vontade. O que aconteceu naquele dia? O que acontecia nos seus últimos dias? Você sentia que eram os últimos? Titio Walmar,

Uma breve análise crítica da representação do Nordeste em A História da Eternidade (2014) de Camilo Cavalcante Thainara Amorim¹ Em 1988, a escritora cearense Rachel de Queiroz escreveu no Estadão um — inadiável! — aviso ao resto do país: “(...) se acostumem a aceitar a nordestinidad”. Mas o que seria essa qualidade ou, talvez, natureza, que ameaça quem não a pertence? Já não é apenas a “mão-de-obra barata, plebe carente das favelas, bóias-frias, serventes de obras, empregadas domésticas” (QUEIROZ, 1988) ou os tantos outros símbolos da miséria excessivamente explorados pelos “olhos tortos da mídia”, mas um povo que vem de solo fértil, que não mais anda, corre. No entanto, desse povo, só interessa o sofrimento, “Se é bom, se é bonito, não dá notícia” (QUEIROZ, 1988). Seria, portanto, a representação do Nordeste na mídia, apenas coisa de colonizador aspirante a herói ou seria, como nas palavras de Mário de Andrade, outrossim, o fascínio pelo “belo horrível”? Afinal, a miséria sertaneja existe - e como existe! Com efeito, o que pode haver de mais nordestino do que a fé, a morte e a seca? Ainda que apenas na mídia e na arte, esses são os fundamentos que, quase exclusivamente, contam o Nordeste. Em A História da Eternidade (2014) de Camilo Cavalcante, no entanto, também o sonho, a poesia e o amor compõem a tal “nordestinidade” tão usada e abusada no cinema. Primeiro longa do, até então, curta-metragista recifense Camilo Cavalcante, A História da Eternidade gira em torno de três personagens femininas que representam três diferentes gerações: Alfonsina (Debora Ingrid), adolescente de 15 anos, apaixonada pelo mar que mora junto do pai com ares de jagunço e mais quatro irmãos e somente no tio, artista e irrevogável sonhador, acha o acolhedor feminino e o incômodo desejo; Querência (Marcélia Cartaxo), mulher de meia-idade que perde o filho e, por consequência o marido e enfrenta o luto, o abandono e o sanfoneiro que peleja “da hora que o sol aparece até a hora que ele se esconde” pelo seu amor; E, finalmente, a mais madura das personagens, Das Dores (Zezita Matos), católica do “pé roxo”, que recebe o neto vindo de São Paulo, apenas para ver revelados certos instintos tão inesperados quanto inelutáveis. Desde a construção das características basilares das protagonistas, até as peças secundárias da narrativa, é evidente que Cavalcante utiliza-se da conhecida mitologia do Nordeste. O filme inicia-se com uma sequência de elementos convencionalmente nordestinos: a árvore monumental, característica da caatinga centralizada na paisagem seca e saturada; o sanfoneiro que, amparado em sua sombra, toca uma melodia sofrida; o menino que mata uma rolinha com um estilingue e guarda o cadáver na bolsinha de palha, provavelmente para comê-lo depois; e o bando de cabras que, guiados pela criadora, invadem a cena. Cessa a sanfona e outro som tipicamente nordestino começa: um cortejo fúnebre entoa “Senhor, Fazei de Mim (Um Instrumento de Tua Paz)”, composta por Darío Julio Gianella Castañé e que se tornou parte do repertório popular. Está completo o teatro! Nada nos causa estranhamento na cena: um desenho demasiado comum da região. À quem assiste, portanto, não restam dúvidas nem quanto à ambientação do filme e nem quanto a forma como tal será representada e as cenas seguintes ajudam a consolidar ainda mais a previsão do espectador: Ao ser abandonada pelo marido, Querência chora, sentada numa pequena mesa de madeira, o ambiente precário ao seu redor e, à sua frente, um copo de água vazio. De repente, ela vira o copo e captura uma mosca. O gesto abrupto parece indicar o tom do resto da obra: é exatamente como o inseto capturado que se sentem os personagens que seguiremos. A segunda heroína nos é apresentada em seguida. Embalados por uma música melosa em inglês, somos guiados pelo quarto de Alfonsina: o porta-jóias e o cisne de cerâmica empoeirados; o velho rádio de pilha por onde passeia outro inseto; uma caixa de madeira com rolos de lã; dois gatos também de cerâmica, uma boneca de porcelana suja, quebrada e nua, ao lado de uma rosa falsa coberta de teias de aranha e, então, quebrando essa sequência de figuras que estão presentes na maioria das casas populares no Nordeste, o mar. Em frente à uma grande colagem que toma grande parte da parede, Alfosina contempla os recortes das paisagens tropicais que sonha em visitar pessoalmente. É justamente no quarto dela, a adolescente romântica e inquieta, que vemos mais nitidamente a dicotomia entre modernidade e tradição, tão simbólica no desenvolvimento de A História da Eternidade. Ora, nada mais regional do que a contraposição entre o sertão e o litoral! Em seu livro A invenção do Nordeste (2011), Durval Muniz de Albuquerque Jr. afirma que essa oposição, que também é abordada em Os Sertões, de Euclides da Cunha, bem como, em vários outros trabalhos artísticos, jornalísticos e acadêmicos, virou um lugar-comum da cultura do país. Oriundo do debate nacionalista, tal conflito fundamenta-se na ideia de que o litoral é essencialmente “colonizador e desnacionalizador”, enquanto o sertão é o mais Brasil entre todos os brasis: O sertão aparece como o lugar onde a nacionalidade se esconde, livre das influências estrangeiras. O sertão é aí muito mais um espaço substancial, emocional, do que recorte territorial preciso; é uma imagem-força que procura conjugar elementos geográficos, linguísticos, culturais, modos de vida, bem como fatos históricos de interiorização como as bandeiras, as entradas, a mineração, a garimpagem, o cangaço, o latifúndio, o messianismo, as pequenas cidades, as secas, os êxodos etc (ALBUQUERQUE JUNIOR, 2011, p.67). Tal qual a cadeia de sentidos do quarto da menina, o sertão é, essencialmente, um conjunto de “imagens exóticas”, que pouco se relaciona com a sociedade litorânea, “É uma ideia que remete ao interior, à alma, à essência do país, onde estariam escondidas suas raízes” (ALBUQUERQUE JUNIOR, 2011, p.67). Nesse sentido, no Manifesto Regionalista de 1926, Gilberto Freyre confirma: O Nordeste, que outrora fora considerado “criador e recriador de valores (1955, p.21), torna-se “uma terra apenas de relíquia: o paraíso brasileiro de antiquários e de arqueólogos” (p. 21). Mais adiante, o filme introduz novos personagens que, embora periféricos, são importantes para a montagem da simbologia sertaneja: o pai, os irmãos e o tio de Alfonsina. O primeiro, representa a recorrente figura do “cabra-macho”, filho da bruta realidade do sertão. O último, João (Irandhir Santos), artista incompreendido, revela, ao contrário, a substância cabalística e poética derivada desse mesmo material bruto. Outra dicotomia clássica é, assim, introduzida. Finalmente, ainda dois personagens se opõem na película de Cavalcante: a também protagonista, Das Dores, e seu neto, Geraldo (Maxwell Nascimento). Esse é o que Freyre (1985) descreveu como o “transnordestino”: exilado na Paulicéia, volta à terra natal, mas dela, guarda, com esforço, muito pouco. O jovem de cabelo descolorido, brinco e sotaque paulista, leva no braço uma tatuagem de carcará. A avó, católica fervorosa e símbolo da mãe-guerreira comumente associada ao Nordeste, apesar de estranhar a homenagem, aprova: “Em tu, fica até bonito!” Mas propõe: “Me chama de voinha. Parece que eu regresso prum tempo bom”. Fica evidente, dessa forma, que o diretor não foge dos estereótipos tão presentes no acervo cinematográfico do país. Logo, não admira o fato de que o ambiente em que se passa o enredo tenha seu nome ocultado. Ali é o sertão e ponto. Porém, acredito que essa escolha estilística não seja fortuita, uma vez que os tipos comuns utilizados, são comuns também porque não são absolutamente abstratos: O estereótipo é um olhar e uma fala produtiva, ele tem uma dimensão concreta, porque, além de lançar mão de matérias e formas de expressão do sublunar, ele se materializa ao ser subjetivado por quem é estereotipado, ao criar uma realidade para o que toma como objeto (ALBUQUERQUE JUNIOR, 2011, p.30). Ademais, analogamente ao conflito entre tradição e progresso explorado no filme, Cavalcante flutua entre o experimental e o clássico. Um exemplo desse caráter empírico da obra é o fato de que o penar emocional dos personagens, ainda que muito tenha a ver com o contexto social em que estão inseridos, prevalece inteiramente aos habituais sofrimentos do sertão: a falta de água, o calor, a carência de saúde e educação e o descaso governamental. Nem mesmo Geraldo, o filho pródigo, espanta-se com eles. É inegável que esses problemas existem, estão lá, são gritantes. Mas também outros, mais universais, fazem-se presentes e são igualmente dignos de exploração. Destarte, me parece que abordar tópicos como o cangaço ou a seca no Nordeste não é impreterivelmente incômodo, pois de fato esses são elementos histórico-sociais que fazem parte da experiência nordestina e moldaram a imagem cultural da região. O mal-estar se dá a partir do foco exclusivo em tais problemáticas: quando até os próprios personagens que compõem a diegese fílmica não têm qualquer profundidade narrativa, mas servem, sobretudo, como instrumentos para o desenvolvimento desses arquétipos. Felizmente, esse não é o caso de A História da Eternidade. Em uma das cenas mais desconfortáveis do filme, o pai de Afonsina, Nataniel (Cláudio Jaborandy), despe-se de sua vestimenta de “cabra da peste”, agarra-se aos pés de sua filha — a quem trata de forma seca e autoritária durante toda a história — e implora seu perdão, por ser “um desgraçado”, dando um gosto amargo ao presente que ele mesmo a oferece e a força a aceitar, um forró para comemorar seu aniversário. Das Dores tem uma similar desconstrução no filme: Ao encontrar uma revista de conteúdo escandaloso na mala do hóspede, encontra também algo assombroso dentro de si mesma. A partir de então, tenta em vão apagar a crescente efervescência de seus instintos, rendendo um dos episódios mais impactantes da narrativa, quando a religiosa recorre a um hábito antigo da doutrina católica: o auto-flagelo. A cinematografia de A História da Eternidade também tem um quê de experimental. Os enquadramentos da câmera que centralizam os personagens e os emolduram brilhantemente — por vezes, evocando o cinema simétrico de Wes Anderson — emprestam ao filme outro elemento introspectivo. Os planos amplos do também extenso cenário parecem se contrapor ao claustro dos personagens que o habitam: o artista silenciado que não consegue se desvencilhar do irmão violento, a menina sonhadora que nunca vai ao litoral, a mãe que luta com o luto e a beata que malogra em reprimir sua sexualidade até com o chicote da religião. A título de conclusão, menciono uma das cenas finais da obra: Após finalmente ter seu amor aceito por Querência, o sanfoneiro acorda em sua casa e a procura, sem qualquer êxito. Por conseguinte, tal é a última palavra dita em A História da Eternidade, “Querência”. No nosso vocabulário, o lugar ao qual pertencemos, mas também, como no dicionário hispânico, o querer bem e, talvez, num sentido alegórico, o simples e puro querer. ¹ Thainara Amorim é graduanda em Comunicação Social pela Universidade Federal de Pernambuco - Campus Agreste. Referências ALBUQUERQUE JUNIOR, Durval Muniz de. A invenção do Nordeste e outras artes. São Paulo: Cortez, 2011. FREYRE, Gilberto. Manifesto regionalista de 1926. Rio de Janeiro: Departamento de Imprensa Nacional, 1955. QUEIROZ, Rachel de. A aceitação da ‘nordestinidade’ agora inadiável. O Estado de S. Paulo, São Paulo, p. 40, 25 nov. 1988. QUEIROZ, Rachel de. Sob os olhos tortos da mídia. O Estado de S. Paulo, São Paulo, p. 43, 17 jun. 1988.

Será que a morte pode ser linda, às vezes? A partir das obras de Taciano Valério, que têm como elementos estéticos, características e técnicas marcantes pelo teor dramático e pouco convencional, que evidenciam o movimento, o toque e a textura na hora de construir uma cena, nosso colaborador Thiago Henrique Muniz (@thiagohmuniz), busca transmitir neste vídeo ensaio a atmosfera sensorial dessa estética, a partir de um tema que está presente em toda a filmografia de Valério: a morte. Assista o vídeo ensaio na íntegra: Sinopse: O cinema de Taciano Valério é marcado por um grande apelo à mise-en-scène. Como um hino à gloria dos corpos, seus filmes evidenciam o movimento, o toque, a textura; elementos esses que parecem saltar da tela. E o que seria mais propício a essa estética senão a morte? Este ensaio busca transmitir essa atmosfera sensorial expondo o tema da morte que está presente em toda a filmografia de Taciano. Vídeo ensaio realizado por Thiago Muniz, colaborador da Spia.

A rememoração das lembranças de infância do diretor Marcelo Gomes é contraposta à atualidade do espaço e suas necessidades em “Estou me guardando para quando o carnaval chegar”. É possível avistar uma cidade que parte da ruralidade em direção a industrialização improvisada, um aceno às grandes produções e fábricas que se guliverizam em quintais e garagens, e remetem, de maneira inconsciente, às dimensões da capital do jeans. O processo pelo qual a agricultura e pecuária em Toritama dão vazão à formação de uma indústria é explorado a partir da voz de seus habitantes, intimamente relacionados a esse fenômeno. Essa massa de trabalhadores, que abandonaram o silêncio que era interrompido tão somente pelo barulho dos animais e das ferramentas em contato com o solo em troca do zumbido incessante das máquinas de costura, tem seus anseios expostos a partir dos discursos que se misturam ao som de maquinários de trabalho e sobrevivência. É nesse ambiente caótico de intercessão entre sons estridentes, que cessam somente em momentos de descanso, que se ambienta a narrativa traçada no documentário. A ilusão da autonomia trazida pelas máquinas, que em um primeiro momento substituem animais, e que podem, eventualmente, substituir as pessoas inseridas nessa cadeia produtiva, é o principal fator de reforço às experiências dos trabalhadores da cidade. Explorados na produção de jeans, essas pessoas, sem perspectiva de crescimento fora desse eixo, se empoderam pelo lucro trazido do trabalho contínuo, rotineiro, que reincide em seus cotidianos os movimentos de repetição traçados pelas mãos que costuram pequenas partes integrantes do jeans. Um bolso, uma braguilha e um dia de vida se tecem da mesma maneira: repetição com maior velocidade, seja para que a produção gere mais lucro ou para que a vida passe mais rápido até o seu próximo momento de encanto. O encanto promovido pelo lazer não pode ser encontrado nessa cidade, o ofício é a força motriz desse espaço. Não há restaurantes, bares, piscinas, a vivência é contida dentro das casas, seja nos momentos de trabalho, descanso ou lazer. O lar passa a comportar todas as possibilidades dessas existências. O êxtase que irrompe a existência estática dessa população é encontrado no carnaval, o hedonismo desse feriado é a oportunidade de extravasar as pressões do cotidiano. Esse movimento de desprendimento ao trabalho se manifesta de maneiras múltiplas, há quem venda seus eletrodomésticos, meios de transportes ou faça empréstimos para aproveitar essa data. O que pode caracterizar um protesto à exploração sofrida diariamente, além de renovar os ares daquela cidade, é a preparação que abre alas para as tentativas de recuperar a vida não vivida em 361 dias do calendário, que são possibilitadas até a data limite da quarta-feira de cinzas. O refúgio para distante do barulho das máquinas de costura dá espaço ao ruído branco da cor da espuma das ondas do mar que se dissolvem na areia. Na praia o único som metálico é oriundo das fanfarras que transitam pela cidade. Dentre as cenas filmadas nesse segmento do filme, se destacam as que relatam o descanso em seu silêncio. Cortadas apenas pelos diálogos, ou suas tentativas, que estão banhadas em metalinguagem, falam sobre o próprio descanso, o balançar da rede e o simples fato de deitar-se é assunto de suma importância. O retorno para Toritama ao final das curtas férias é marcado por uma chuva costumeira, se em outras ocasiões esse momento representava o início da temporada mais propícia para as plantações, agora sua simbologia não ultrapassa a de um fato vazio. Não existe tempo conveniente para o jeans, e por mais que as pessoas inseridas nesse ciclo de fabricação sintam-se donas de suas forças de trabalho e também de seus tempos, naturalmente esse aspecto se padroniza: dormir 6 horas diárias e trabalhar o resto do dia com pequenas pausas destinadas às suas necessidades mais básicas, que se puderem, devem ser realizadas na mesma cadeira na qual passam a maior parte de suas horas. “Estou me guardando para quando o carnaval chegar” intui a possibilidade de aproximação das maneiras de exploração de um povo em prol da manutenção de um sistema econômico e nos aproxima da realidade do polo têxtil do agreste em seus aspectos menos aprazíveis. Ele investiga as maneiras como um tecido de cor azul, composto de trama e urdume, se impõe sobre as tramas das vidas de quem o confecciona. Ao final das 1h25 de filme o silêncio da minha sala, impossível de existir em um dia comum de Toritama, em contraste à tela preta, me traz o questionamento: quantas peças de roupa foram produzidas durante esse curto espaço de tempo? A obra de Marcelo Gomes está disponível na Netflix. Ficha técnica: Direção e Roteiro: Marcelo Gomes Produtoras: Carnaval Filmes, Rec Produtores Associados, Misti Filmes. Direção de Fotografia: Pedro Andrade Produtores: João Vieira Jr., Nara Aragão Coprodutores: Chico Ribeiro, Ofir Figuereido, Ernesto Soto, Marcelo Gomes Produção executiva: João Vieira Jr., Ernesto Soto Montagem: Karen Harley Som: Pedro Moreira, João Lucas, Lucas Caminha Música: O Grivo Direção de Produção: Karina Nobre, Luna Gomides Assistência de Montagem: Gustavo Campos Personagens: Leonardo, Francielly, Canário, Velho do Ouro Texto por: Leandro (colaborador da SPIA)

O indivíduo liquidado em EX Mágico, curta Olimpio Costa e Mauricio Nunes. Texto por Lucas dos Santos Silva. O ex Mágico é um personagem que caminha pesadamente, parece carregar um peso nas costas arqueadas; arfando, ele passa apressado pelas ruas e vielas de uma cidade vazia, numa paisagem opressiva de casarões abandonados. Parece fugir de alguma coisa misteriosa enquanto sente cansado o peso angustiante do mundo que o cerca. A animação de Olímpio Costa e Mauricio Nunes é uma adaptação do conto homônimo de Murilo Rubião, que narra a trajetória de um homem que possui um dom compulsório de fazer mágica. O personagem é constantemente atormentado por truques de mágica que brotam ao seu redor contra a sua vontade. Depois de algum tempo trabalhando no circo ele começa a tentar o suicídio mas sem obter sucesso, pois a mágica acaba por salva-lo da morte em todas as ocasiões. Frustrado ele decide se tornar funcionário público após ouvir de um estranho que isso seria como “suicidar-se lentamente”. Durante os 11 minutos de um thriller com elementos surrealistas, que mistura influências de David Lynch com animação americana dos anos 90, a adaptação narra o dia a dia do Ex Mágico na sua rotina monótona de funcionário público em que um homem de meia idade confronta as dificuldades de lidar com as frustrações e amarguras de sua vida. Os cenários hachurados e realistas, com perspectivas fortes e definidas, de casarões e ruas antigas, desenhados por Ricardo Cavani, dão à produção um ar angustiante, ao mesmo tempo que a animação e os personagens caricaturescos carregam o filme com uma natureza onírica. Essa unidade de polarizações nos transportam para dentro do delírio do protagonista. Esse processo de conflito constante entre o eu e o mundo exterior, que se apresenta como uma realidade opressora, é comum na literatura de ficção. Autores como Franz Kafka e o próprio Murilo Rubião fizeram desse dilema sua matéria prima da criação, mas além das artes, um dos campos que mais se debruçou sobre o tema foi a psicanálise. Em um dos seus textos mais conhecidos, O Mal Estar da Civilização, Sigmund Freud destaca esse confronto entre o eu e o mundo exterior como uma parte primordial da formação do indivíduo. Esse processo aparece na nossa vida já no nascimento. “O bebê lactante ainda não separa seu Eu de um mundo exterior, como fonte das sensações que lhe sobrevêm. Aprende a fazê-lo aos poucos, em resposta a estímulos diversos”(FREUD, 1930.pág.17), esses estímulos podem aparecer como estímulos de dor e de desprazer. Como uma forma de se proteger, em um princípio que o autor vai chamar de Princípio do Prazer, o indivíduo acaba separando tudo que pode se tornar fonte de experiências desagradáveis como sendo parte de um mundo exterior, distinto do eu. Nesse sentido o eu se torna o ente desejante e o mundo exterior, a realidade, uma barreira para a realização dessas vontades. Na animação Ex Mágico o personagem surge como um ser pleno de desejo, que é ao mesmo tempo preenchido e atormentado por eles. Já no começo ele aparece fugindo de um perseguidor misterioso, em ruas vazias, e se refugia no seu aposento, onde é confrontado por uma miríade de animais selvagens espalhados pelo seu quarto. A magia surge na sua vida como um impulso que o controla, e é reprimido pelo seu entorno. Ao mesmo tempo, desejo e realidade aparecem de forma opressiva para o personagem. Isso porque em determinado nível ele não consegue separar o mundo exterior do seu próprio eu. Sendo assim, a sua realidade opressora se mistura com seus desejos e visse e versa. Em seus devaneios a realidade é constantemente alterada, em uma visão subjetiva, vemos, através da sua ótica, o papel da sua mesa de trabalho ser preenchido magicamente por seios femininos voluptuosos, enquanto ele comenta sobre seu desejo pela sua vizinha de escritório. Ao mesmo tempo em que assistimos a sua mão se dissolver, somos entrecortados por uma montagem que reforça a monotonia através da repetição constante de cenas. Um dos diretores da animação, Maurício Nunes, destaca a presença dessa ruptura entre o eu e o mundo exterior como um tema relevante tanto na sua adaptação como na obra original de Murilo Rubião, “Uma coisa do conto, que eu sempre fiz essa leitura, é ao fato dele nascer velho; eu dei por mim já velho num espelho de uma taberna. Ele não teve infância, não passou pelas vicissitudes da vida, isso pra mim é nitidamente um processo de ruptura com o racional, ele teve algum problema neurológico que é trazido para o mundo real”. Esse jogo entre realidade e fantasia como um aspecto do delirante foi algo que o diretor Maurício Nunes afirmou ter escolhido trabalhar em sua animação através de um roteiro de ambiguidades, quis dar ao EX Mágico essa natureza de constante incerteza. Como espectador, não sabemos se o protagonista foi sequer um mágico, não temos a resposta concreta do que é real e do que não é, pois nem o personagem tem essas certezas. “Isso foi uma das coisas conscientes, eu não queria deixar claro que foi realidade, suscitar a possibilidade de ele sempre ter sido um funcionário público que entrou em crise, quis uma outra coisa, uma vida artística, mas foi tão reprimido a vida inteira que quando quis aflorar esse outro lado veio como um vulcão”. Esse processo de repressão internalizada, Freud descreve como Mal Estar Civilizatório. Para o autor, a civilização é o que nos afasta da nossa natureza selvagem, é o conjunto de regras implícitas e explícitas que nos permite a convivência social, essas regras nos protege do desejo e das vontades do outro, mas também reprime e nos afasta das nossas próprias vontades. O personagem que nos guia no curta é um sujeito que foi completamente dissolvido por esse Mal Estar Civilizatório, ele é tragado por esse mundo de regras que no filme é representado pela burocracia, no seu ofício de funcionário público. Com a mesma facilidade que as opressões sociais entram em seu eu, o seu desejo se mistura com o mundo a sua volta, gerando uma realidade delirante. Esse delírio patológico faz dele um homem sem forma, que tem o tempo todo sua aparência e seu corpo transfigurado, seja em animais ou em objetos e até figuras disformes. “A patologia nos apresenta um grande número de estados em que a delimitação do Eu ante o mundo externo se torna problemática, ou os limites são traçados incorretamente; casos em que partes do próprio corpo, e componentes da própria vida psíquica, percepções, pensamentos, afetos, nos surgem como alheios e não pertencentes ao Eu; outros, em que se atribui ao mundo externo o que evidentemente surgiu no Eu e deveria ser reconhecido por ele. Logo, também o sentimento do Eu está sujeito a transtornos, e as fronteiras do Eu não são permanentes.” O realizador afirmou em entrevista que não tem familiaridade direta com os textos dos autores de psicanálise, mas que sempre refletiu sobre as relações dos desejos primordiais humanos através de observação e pelo conhecimento direto de outras obras e do seu próprio desejo como homem. Em sua entrevista, ele afirma que muitas das chaves interpretativas da psicanálise foram passadas de forma consciente, mas algumas delas foram inconscientes, como a referência ao desejo do peito materno, além de que a escolha desse tema mais subjetivo na sua obra vem da suas influências de formação no Recife. O diretor do curta Maurício Nunes destacou que a personalidade do seu protagonista foi inspirada em pessoas que conhecia, que passaram por processos parecidos de repressão internalizada e acabaram perdendo seus limites nesse caminho. Além de se inspirar também em pessoas que sempre foram muito livres, fizeram tudo o que quiseram, já que para ele essa liberdade também sufoca, fazendo com que o sujeito se perca no próprio desejo, pois a vida não se resume só ao que o indivíduo deseja, é preciso também que haja um equilíbrio entre o desejo e a realidade. Assista o filme na íntegra: