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Onde estão as subculturas atuais?
Por Laura Lima
Trabalho revisado por Paula Donato e Nilton Barros
Durante boa parte do século XX, participar de uma subcultura significava construir alguma coisa. Existiam os shows, os fanzines, os clubes, as lojas independentes, as festas, os encontros em praças e as amizades construídas em torno de interesses compartilhados. A roupa era importante, mas nunca estava sozinha.
Hoje, parece existir uma diferença cada vez maior entre criar uma subcultura e consumir uma estética. Basta alguns minutos no Tiktok ou no Pinterest para encontrar milhares de referências ao grungecore, gothcore, punkcore e outras estéticas que parecem transformar décadas de história em pastas de inspiração. Isso não significa que os jovens tenham deixado de criar, mas que as plataformas digitais alteraram as condições de surgimento e reconhecimento dessas experiências: agora a estética chega antes da história e o look chega antes da comunidade.
A discussão sobre subculturas não começou na moda. Entre as décadas de 1920 e 1930, a Escola de Chicago, corrente de pensamento sociológico desenvolvida na Universidade de Chicago e uma das primeiras a investigar as relações entre juventude, cidade e marginalização. Seus pesquisadores estudavam as transformações das grandes cidades que passavam por intensos processos de industrialização e imigração, e as comunidades juvenis consideradas desviantes eram observadas como formas de organização social, com códigos de comportamento e relações próprias com o território.
Décadas depois, entre os anos 1960 e 1970, os Estudos Culturais Britânicos aprofundaram essa discussão. O movimento ganhou força a partir da criação do Centre for Contemporary Cultural Studies (CCCS), na Universidade de Birmingham, em 1964. O centro surgiu com a proposta de estudar manifestações culturais populares, como música, televisão, publicidade e comportamentos juvenis, que até então recebiam pouca atenção na época. Nesse contexto, pesquisadores como Stuart Hall e Dick Hebdige passaram a investigar como as culturas populares e juvenis expressavam conflitos sociais e disputas de poder. Enquanto Hall compreendia a cultura como um espaço de disputa pela construção de significados, Hebdige demonstrava como o estilo das subculturas, por meio de roupas, objetos e outros signos podiam funcionar como uma forma de resistência simbólica para jovens da classe trabalhadora.
É importante recuperar essa perspectiva, porque quando transformamos o punk em punkcore e o gótico em gothcore, corremos o risco de reduzir experiências culturais e políticas inteiras a referências de styling. O capitalismo, dessa forma, descobriu que pode vender a aparência da contestação sem precisar lidar com aquilo que está sendo contestado.
Apesar disso, também é importante olhar para as subculturas do nosso próprio contexto cultural. Quando pensamos na história desses movimentos, é comum recorrer a uma narrativa euro-americana: Londres, Nova York, Manchester, os punks, os mods, os hippies, os góticos etc. Essas histórias são relevantes, mas não podem funcionar como a única referência para reconhecer a existência de culturas juvenis. Ao investigar as culturas musicais e as estéticas periféricas brasileiras, GG Albuquerque, jornalista, pesquisador e doutorando em Comunicação pela UFPE, propõe um olhar que vai além da ideia de que a periferia apenas reproduz referências produzidas nos grandes centros culturais. Cofundador do Embrazado, portal dedicado às culturas musicais periféricas brasileiras, Albuquerque desenvolve pesquisas sobre músicas periféricas reconhecendo a capacidade desses territórios de produzir tecnologias, linguagens e conhecimentos próprios.
O Bregafunk de Recife, por exemplo, existe uma rede de produtores, DJs, dançarinos, artistas, a comunidade dos “ratos”, as festas e tecnologias que constrói uma linguagem própria. O mesmo acontece com o funk 150 BPM, o Tecnobrega paraense, o Mandelão paulista, a estética Mandrake e o Drill, que também produzem seus próprios códigos de comportamento. O que o jornalista nos ajuda a perceber é que a periferia não precisa ser reconhecida pelo mainstream para produzir inovação e criar um espaço de criação intelectual e estético. Existe uma hierarquia que frequentemente reconhece o punk como resistência, mas trata o funk como caso de polícia; que reconhece o techno europeu como experimentação musical, mas desconsidera a inventividade das festas periféricas, e que transforma a estética de determinados jovens brancos em referência de moda enquanto associa a aparência de jovens negros e periféricos à vulgaridade ou à criminalidade.
Enquanto a internet transforma antigas subculturas em categorias estéticas, diferentes movimentos continuam produzindo linguagens e identidades em territórios que raramente ocupam o centro da narrativa internacional da moda. Na América Latina, existem outras experiências que merecem atenção, como a Cumbia Villera, surgida nas periferias argentinas no final dos anos 1990, em meio a uma forte crise econômica e social, utiliza a música para narrar o cotidiano, as dificuldades e as identidades dos jovens das chamadas "villas". Também merecem destaque os movimentos inspirados no "Riot Grrrl", movimento punk feminista surgido no início dos anos 1990 nos Estados Unidos que encontrou expressões próprias na América Latina, articulando música independente, feminismo, fanzines e enfrentamento ao patriarcado. As particularidades dessas manifestações latino-americanas provam que é necessário reconhecê-las como experiências culturais próprias.
O capitalismo tem mecanismos eficientes para selecionar aquilo que pode ser comercializado, retirar seus elementos mais inconvenientes para ele e devolver uma versão domesticada ao público. Isso não significa que exista uma conspiração para impedir o surgimento de novas subculturas, mas que o mercado de fato possui interesse em transformar expressões culturais em mercadorias, mesmo quando elas surgem de conflitos com a própria ordem dominante. Por isso, é importante que os pesquisadores de moda prestem mais atenção nas cenas que ainda constroem seus próprios circuitos, independentemente de sua presença nas grandes semanas de moda ou nas principais plataformas de tendências.
As subculturas não morreram, elas continuam nas pistas de dança, nos bailes, nas ruas, nos estúdios improvisados, nos coletivos independentes e nos territórios que a indústria cultural insiste em tratar como inferior. O que parece estar enfraquecido é nossa disposição de reconhecer que uma cultura pode existir sem precisar da autorização do mainstream. Isso porque, antes de ser uma estética, uma subcultura é uma possibilidade de criar outras maneiras de existir.
SAIBA MAIS |
Subcultura: O Significado do Estilo, livro de Dick Hebdige, 1979. |
"A construção do outro como não-ser como fundamento do ser", tese de Sueli Carneiro, 2005. |
CURIOSIDADES |
A cultura ballroom, desenvolvida por comunidades negras e latinas LGBTQIAPN+, criou categorias de performance, competição e expressão visual que influenciaram a moda, a dança e a cultura pop mundial. |
A cena technobrega paraense desenvolveu sua própria indústria de produção, divulgação e distribuição musical, com aparelhagens, DJs, festas e circuitos independentes. |
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